Revista de Arte, artistas, dibujo, pintura y escultura

El Studio Museum in Harlem fue fundado en 1968. Se trata del primer museo dedicado únicamente a los artistas con descendencia africana. Cerró sus puertas en el año 2018, para llevar a cabo una importante remodelación y ampliación.

El día de la inauguración el museo ofrecerá un Día de la Comunidad ofreciendo entradas gratuitas y actividades para todas las edades.

El anterior edificio fue demolido para construir uno nuevo con la finalidad de ampliar el espacio de las exposiciones, mejorar las instalaciones y poder ofrecer más servicios a los visitantes.

Studio Museum in Harlem

144 W 125th Street
Nueva York, NY 10027

El nuevo edificio esta diseñado por el arquitecto David Adjaye en colaboración con Cooper Robertson. Tiene siete plantas y una superficie de 7.600 metros cuadrados. Contará con estudios para artistas residentes, una biblioteca, una cafetería y una terraza ajardinada. abrirá sus puertas el próximo día 15 de noviembre de 2025. El nuevo edificio duplicará el espacio para sus exposiciones y las mejorías con las que contará contribuirán enormemente a la extraordinaria misión que realiza el museo de expandir y difundir las obras de los artistas de origen o ascendencia africana.

La exclusión de artistas de ascendencia africana del canon artístico predominante en el mundo occidental se debe a una combinación de factores históricos, sociales y raciales profundamente arraigados. No se trata de una falta de talento o de producción artística, sino de una serie de barreras sistémicas que impidieron su reconocimiento.

Se encuentra en el barrio de Harlem, en Manhattan. Su dirección es 144 West, 125th Street.

El día de la inauguración el museo ofrecerá un Día de la Comunidad ofreciendo entradas gratuitas y actividades para todas las edades.

Se encuentra en el barrio de Harlem, en Manhattan. Su dirección es 144 West, 125th Street.

Los principales fundadores del museo fueron Charles E. Innis, de ascendencia afroamericana, empresario y miembro del Ejército de la Guardia Nacional, Betty Blayton-Taylor, afroamericana y figura importante en los círculos artísticos, artista, educadora y activista, Frank Donnelly, de raza blanca, un abogado y filantropo y Eleanor Holmes Norto, una abogada y activista de derechos civiles.

Racismo y prejuicio colonial: La historia del arte occidental se desarrolló en gran medida durante el auge del colonialismo y la esclavitud. Las personas de ascendencia africana eran vistas como inferiores y sus culturas a menudo se consideraban «primitivas» o «exóticas», no dignas de la misma seriedad que el arte europeo. Esta visión eurocéntrica de la cultura fue la base de los juicios sobre el arte.

El concepto del «genio» y las academias: El canon artístico occidental se construyó en torno a la idea de un «genio» individual, un creador solitario, que se desarrollaba en las academias de arte. Estas instituciones estaban cerradas a la mayoría de las personas negras, quienes no tenían acceso a la educación formal, los materiales o los círculos sociales y de mecenazgo necesarios para ser reconocidos.

Falta de acceso y mecenazgo: Los artistas negros tenían muy pocas oportunidades de mostrar su trabajo en galerías y museos prestigiosos, que estaban controlados por una élite blanca. Sin exposición, crítica positiva y mecenazgo, era casi imposible construir una carrera exitosa y entrar en la «historia del arte».

La función del arte africano: Las obras de arte de las culturas africanas tradicionales, como máscaras y esculturas, eran a menudo creadas con fines rituales, ceremoniales o utilitarios. Los historiadores del arte occidentales, que priorizaban el arte por su valor estético puro («arte por el arte»), no las consideraban «bellas artes» en el mismo sentido que una pintura al óleo o una escultura de mármol. Esto generó un desprecio cultural.

La invisibilidad como sujetos: Los artistas negros no solo eran excluidos como creadores, sino que también eran rara vez representados como sujetos en el arte occidental, salvo en papeles de servidumbre o estereotipados. Esto reforzó su invisibilidad y su posición social subordinada.

A partir del siglo XX, movimientos como el Renacimiento de Harlem y, más recientemente, la lucha por la diversidad e inclusión en el mundo del arte, han intentado corregir esta narrativa histórica, rescatando y valorizando las obras de artistas que fueron injustamente marginados. La creación del Studio Museum in Harlem es un ejemplo clave de este esfuerzo por construir un espacio y un canon alternativo que refleje la contribución de los artistas de la diáspora africana.

La esclavitud de personas africanas por parte de los europeos

• Inicio (Siglo XVI): Aunque la esclavitud ya existía en otras formas, la trata transatlántica a gran escala comenzó con los portugueses a principios del siglo XVI. Con el establecimiento de las colonias europeas en América, especialmente para trabajar en plantaciones y minas, la demanda de mano de obra forzada creció exponencialmente.
• Apogeo (Siglos XVII y XVIII): Durante estos siglos, la trata de esclavos se convirtió en un pilar de la economía colonial. Países como Portugal, España, Gran Bretaña, Francia y Holanda transportaron millones de personas africanas a América para trabajar en condiciones inhumanas.
• Declive y Abolición (Siglo XIX): A lo largo del siglo XIX, los movimientos abolicionistas ganaron fuerza. El Reino Unido abolió la esclavitud en sus colonias en 1834, Francia lo hizo en 1848, y Estados Unidos en 1865 (con la 13ª Enmienda de su Constitución). El último país en abolir la esclavitud en América fue Brasil en 1888.

En total, se estima que el comercio transatlántico de esclavos duró más de 400 años, durante los cuales más de 12.5 millones de personas fueron secuestradas de África, y se calcula que cerca de 10.7 millones sobrevivieron al brutal viaje y llegaron a las Américas.

La participación de España en el secuestro y tráfico de personas africanas para la esclavitud duró más de tres siglos y medio, desde principios del siglo XVI hasta finales del siglo XIX.