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Visita privada al MUSEO NACIONAL THYSSEN BORNEMISZA
Un museo para ti: Paseo privado con un pintor y una obra original para ti.
¿Alguna vez has deseado con recorrer el museo Museo Nacional Thyssen-Bornemisza sin prisas, sin grupos y sin ruidos?
Te propongo una experiencia de alto valor irrepetible. Una vez al mes, selecciono a un sólo acompañante para realizar una visita personalizada y privada al museo, donde desvelaremos los secretos de la técnica pictórica desde mi visión como pintor con cincuenta años de experiencia.
Pero esta vez el arte sale del museo contigo. Como parte de este encuentro, recibirás una obra original, un óleo sobre tabla de 21 x 30 cms, pintada, firmada y fechada por mí especialmente para esta ocasión. Un fragmento de mi taller para conmemorar nuestra jornada entre maestros.
MATA MUA. 1892 Óleo sobre lienzo. 91 x 69 cm Colección Carmen Thyssen
Juan José P. Ronquillo, pintor, escritor y director de artitic.art
Esto es lo que te ofrezco
Una mañana conmigo en el Thyssen: Recorrido selecto y privado por las salas principales y análisis técnico profundo de las obras que definieron la historia. Diseñado para la máxima exclusividad (individual o por parejas)
Acceso total: sin colas, sin esperas y sin horarios a la exposición general, a las temporales y a la exclusiva colección de Carmen Thyssen.
La duración de la visita la decides tu.
Obra original incluida. Un óleo exclusivo firmado y fechado por el autor y director de artitic.art.
Precio especial de la experiencia completa por lanzamiento de la revista artitic.art :
Sólo una cita disponible al mes. Una oportunidad para coleccionistas y amantes del arte, que buscan algo que no se pueda comprar en una tienda de museos.
Para los usuarios que deseen tener una experiencia completa premium también pueden adquirir, además de todo lo anterior, mi novela. Hay un secreto en Velázquez Diego Velázquez Maestro del barroco y protagonista de nuestra última novela disruptiva. que pocos conocen…
«Velázquez. El pincel oculto en las Meninas». Firmada y dedicada al usuario. Se trata de una novela disruptiva, en la que se narra un aspecto personal del genio, nunca tratado antes, de su ambición por ascender administrativamente en la Corte de Felipe IV y sus extensas funciones como funcionario y no como pintor.
El museo Thyssen no es solo una pinacoteca de maestros antiguos y modernos ubicada en el centro de Madrid. Es el eslabón perdido que da sentido a la historia del arte europeo. Nacido de la pasión coleccionista de la familia Thyssen Bornemisza a lo largo de siete décadas, este fondo llegó para llenar los vacíos que El Prado y el Reina Sofía El triangulo del Arte conjunto formado por tres de los museos más importantes del mundo: el Museo del Prado, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo Reina Sofía. dejaron huérfanos.
Recorrer sus salas es viajar desde la mística de los primitivos italianos como Duccio
Cristo y la Samaritana
1310 – 1311
Temple y oro sobre tabla. 43,5 x 46 cm
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid.
hasta la soledad contemporánea de Edward Hopper
Edward Hopper
Nyack, julio de 1882 – Nueva York mayo 1967. Fue un pintor celebre sobre todo por sus representaciones de la soledad en la vida estadounidense
. Es un refugio donde conviven la precisión de Holbein el Viejo
Hans Holbein El Viejo
1465 – 1524. Fue un pintor alemán, padre de Holbein el joven, que supo como nadie realizar una transición desde el estilo gótico al renacentista.
y la explosión de color de Kandinski o Pollock. Para el amante del arte, el Thyssen ofrece lo que ningún otro museo en Europa posee: una mirada completa a la pintura estadounidense y un despliegue del expresionismo alemán que sacude los sentidos. Es, en esencia, una biografía de la mirada humana.
El Eslabón Maestro: La Colección Thyssen como Arquitectura de la Historia
La llegada de la colección Thyssen-Bornemisza a España – consolidada tras el acuerdo de 1993- no fue sólo una adquisición administrativa; fue un acto de cirugía estética en el paisaje museístico madrileño. Mientras el Prado custodiaba la gloria de las cortes europeas y el Reina Sofía nacía para albergar la ruptura de la vanguardia, el Thyssen se erigió como el tejido conectivo indispensable, aportando las escuelas y los nombres que, hasta entonces, eran solo sombras en nuestras pinacotecas estatales.
Anatomía de una Obra Maestra: Mujer con sombrilla en un jardín
Este mes en el Thyssen, no vamos a pasear por el museo; vamos a entrar dentro de un lienzo.
Acompáñame en una visita privada donde analizaremos cada cm² de Mujer con sombrilla en un jardín
Mujer con sombrilla en un jardín
1875
Óleo sobre lienzo. 54,5 x 65 cm
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid
«Mujer con sombrilla en un jardín«, de Renoir. Como pintor, te revelaré la arquitectura invisible de este cuadro: desde la imprimación hasta la última veladura. Descubriremos por qué funciona, qué problemas técnicos resolvió el autor y qué siente un profesional cuando se enfrenta a una obra de esta magnitud.
Incluye: Análisis técnico profundo de 1-2 obras + Recorrido libre posterior + Óleo original A4 + Libro firmado.
Para el profesional que busca comprender la evolución de la técnica, el Thyssen ofrece un recorrido técnico sin fisuras:
Peras, óleo sobre lienzo, 30×12 cm. Juan José P. Ronquillo
«Solo un pintor puede explicarte por qué cada pincelada está exactamente donde debe estar. En el Thyssen, el arte no se mira, se descifra.»
– La génesis de la mirada: el museo rescata la transición del gótico a la modernidad a través de los primitivos italianos y flamencos Duccio, Van Eyck, donde la pincelada comienza a reclamar su independencia.
El óleo es la materia mas espiritual del mundo. Es el único medio que permite atrapar la luz y convertirla en carne.
Salvador Dalí
– El Rigor del Renacimiento y el Barroco Holandés: Desde la precisión geométrica de Ghirlandaio y Holbein hasta la maestría lumínica y costumbrista de Frans Hals o Ruisdael, el fondo ofrece un tratado vivo sobre la composición y la luz.
– El Paisaje como Documento: El vedutismo de Canaletto y Guardi dialoga con una joya única en suelo europeo: la pintura estadounidense. La presencia de Winslow Homer, Georgia O´Keeffe y Edward Hoper convierte a este museo en un observatorio privilegiado de la luz americana, tan distinta en su tratamiento emocional a la Europea.
– La Fractura del Siglo XX: El relato culmina en una explosión de corrientes que definen nuestra contemporaneidad. Del expresionismo alemán (Kirchner, Beckmann) al Pop Art (Wesselmann, Hockney), terminando en esa figuración cruda y necesaria de finales de siglo con nombres como Lucian Freud o Richard Estes.
Ya hay demasiadas cosas desagradables en la vida. El óleo me permite crear algo amable, alegre y hermoso.
Pierre-Auguste Renoir
El Thyssen-Bornemisza no es, por tanto, una suma de cuadros, sino una cartografía técnica esencial para entender el paso del pincel por la historia.
Esta estructura cartográfica se apoya en hitos de una precisión casi arquitectónica. El Renacimiento en este museo no es solo una sección, sino un cimiento donde la mirada de Ghirlandaio, Carpaccio o Holbein establece las leyes de la proporción. El recorrido se densifica al atravesar el Barroco holandés de Jan Steen, donde lo cotidiano cobra una dignidad sagrada, y se expande en las panorámicas del vedutismo italiano, allí, Bellotto se suma a Canaletto para registrar la memoria de una Europa que empezaba a soñarse a sí misma.
Sin embargo, el verdadero pulso del museo late en su capacidad para narrar la modernidad. El Thyssen despliega un repertorio casi quirúrgico del impresionismo, donde la luz de Manet, Degas o Van Gogh deja de ser un reflejo para convertirse en el sujeto mismo de la obra. Esta transición hacia lo nuevo se bifurca: por un lado, hacia la introspección del constructivismo ruso y la abstracción pura de Kandinski o Pollock; por otro, hacia una figuración que, hacia 1930 y 1980, se vuelve existencial en las manos de Chagall o Balthus.
El Triángulo del Arte: Un Legado en Constante Evolución
La inauguración del museo en 1992 no representó únicamente un hito cultural sin precedentes, sino la culminación de un diálogo geográfico y estético largamente esperado. Con su apertura, el Museo Thyssen-Bornemisza completó el prestigioso Triángulo del Arte del Paseo del Prado, un ecosistema museístico único en Madrid que alberga el acervo pictórico más relevante de España, hoy distinguido como Patrimonio Mundial de la UNESCO. En 2004 amplió sus espacios para mostrar unas 240 pinturas más, prestadas por Carmen Cervera y aportó además una planta baja para exposiciones temporales
Este enclave ofrece un recorrido enciclopédico donde exhibe el grueso de su colección: más de 700 obras que abraza desde el refinamiento del Renacimiento (Ghirlandaio, Holbein, Carpaccio) y la maestría del Barroco holandés (Hals, Steen,Ruisdael ), hasta el Vedutismo italiano del siglo XVIII (Canaletto, Bellotto, Guardi). La colección deslumbra con una transición magistral hacia la modernidad, ofreciendo un repertorio exhaustivo del Impresionismo (Manet, Monet, Degas, Van Gogh, Gauguin), una presencia de la pintura estadounidense inédita en Europa (Winslow Homer, Georgia O’Keeffe, Edward Hopper) y las vanguardias disruptivas del siglo XX, del Expresionismo alemán (Kirchner, Grosz, Beckmann), constructivismo ruso, pintura abstracta (Kandinski, Pollock) al Pop Art (Tom Wesselmann, David Hockney) y la figuración del siglo XX (Marc Chagall, Balthus, Lucian Freud, Richard Estes).
En artitic.art, entendemos que este legado de excelencia es la mayor fuente de inspiración para los nuevos talentos. Por ello, ofrecemos el portafolio para artistas emergentes más sofisticado del mercado, diseñado para que las nuevas firmas logren una proyección profesional a la altura de los grandes maestros, conectando la tradición histórica con la vanguardia del mercado del arte actual.
El repertorio es muy variado: arranca en el arte medieval italiano y llega al siglo XVIII. Especialmente valioso es el conjunto de primitivos italianos, con tablas de Taddeo Gaddi (La Natividad), Bernardo Daddi, Barnaba da Modena, Andrea di Bartolo Cini (Cristo camino del Calvario), Bicci di Lorenzo, Lorenzo Monaco (La Virgen y el Niño entre ángeles), Francesco del Cossa, Lorenzo Costa y la célebre Madonna de la Humildad de Fra Angélico.
El siglo XVI incluye ejemplos de grandes maestros italianos como Tiziano (La Virgen con el Niño, Retrato de Antonio Anselmi), Veronés (La Anunciación), Dosso Dossi y Lorenzo Lotto. La escuela alemana cuenta con cuatro tablas de Lucas Cranach el Viejo, retratos de Wolf Huber y Hans Müelich y una curiosa escena religiosa de Ulrich Apt.
El barroco de los siglos XVII y XVIII está representado por autores italianos como Ludovico Carracci (La presentación del Niño en el templo), Sebastiano Ricci (La Magdalena confortada por ángeles), Francesco Maffei, Canaletto (El Bucentauro en Venecia), Francesco Guardi, Pietro Longhi, Piazzetta (El sacrificio de Isaac), Giandomenico Tiepolo (Cristo expulsando a los mercaderes del templo) y lo culmina la obra maestra de Giacomo Ceruti Grupo de mendigos.
El repertorio depositado en el MNAC incluye además un importante lienzo de Rubens (La Virgen y el Niño con santa Ana y san Juanito) y un paisaje del holandés Salomon van Ruysdael.
De perfil casi enciclopédico, este museo puede ilustrar por sí solo la evolución de la pintura europea y estadounidense, y además cobra una especial relevancia en el contexto artístico de Madrid por las secciones que complementan al Prado y el Museo Reina Sofía, sobre todo en pintura medieval italiana, renacimiento alemán, barroco holandés, y corrientes internacionales a partir del Romanticismo. Las secciones de Impresionismo, Expresionismo alemán, Constructivismo ruso y otros movimientos de vanguardia son únicas en la oferta museística de Madrid. De hecho, muchos de los artistas extranjeros del Thyssen, tanto antiguos como modernos, se hallaban ausentes de los museos españoles, del mismo modo que la pintura española anterior al siglo xx cuenta con una corta presencia en este museo.
En apenas diez años (1928-38) los Thyssen sumaron muchos de sus mejores cuadros antiguos: Durero, Holbein, Baldung Grien, Jan van Eyck, Fra Angélico, Ghirlandaio, Carpaccio, Sebastiano del Piombo, Caravaggio, Frans Hals, Tiepolo… Se dice que la compra de tantas obras maestras fue posible por la gran actividad que vivía el mercado del arte, debido al crack del 29 y la inestabilidad económica en Europa entre las dos guerras mundiales.
En septiembre de 2017, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte renombró el Museo Thyssen-Bornemisza como Nacional, dándole la misma categoría formal que ya gozaban los vecinos Prado y Reina Sofía.11 Con esta iniciativa, aprobada unánimemente por el patronato de la institución, se realza la relevancia de su papel en el contexto cultural español y se recalca que su colección es un bien público, de propiedad estatal.
«La maestría contemporánea no nace del vacío, sino del diálogo constante con la tradición. Para el artista que aspira a la profesionalización, el museo thyssen supone un recorrido imprescindible por los movimientos que han definido nuestra mirada y una cita ineludible para quien busca comprender el oficio in situ.»
1. El Amanecer del Arte (Siglos XIII – XV)
Pintura Gótica Italiana: (Duccio, Bernardo Daddi). La transición del bizantino a la humanidad. «En las salas de los primitivos italianos del Thyssen, asistimos al nacimiento del oficio. Es el momento en que el artista abandona la rigidez del dogma bizantino para abrazar la duda existencial: ¿cómo representar el volumen en un plano? ¿cómo pintar el aire? Es aquí donde la pintura deja de ser un objeto sagrado para convertirse en una herramienta humana de búsqueda de la verdad.»
Obra Clave en el Thyssen:La Virgen y el Niño entronizados con Santo Domingo, san Martín y dos ángeles. Maestro de la Magdalena Maestro de la Magdalena se considera que este maestro parte de la tradición florentina del Duecento Esta es la obra más antigua del Thyssen. «Maestro de la Magdalena»
Gótico Internacional y Primitivos Flamencos: (Jan van Eyck, Rogier van der Weyden). El óleo alcanza su primera perfección.
1. El Gótico Internacional: «La Belleza Ideal»
Imagina que este estilo es el estilo de las cortes y los palacios. No se busca la realidad cruda, sino la elegancia suprema. En el Thyssen, lo reconocerás porque es un arte que «brilla».
La Técnica: Sigue usando principalmente el temple de huevo. El secado es rápido, lo que obliga a dar pinceladas cortas y precisas.
La Estética: Las figuras son alargadas, con túnicas que parecen flotar en el aire formando curvas elegantes (la famosa «línea en S»).
El Detalle: Es minucioso pero decorativo. Si pintan una flor, es para que el cuadro parezca un jardín del paraíso, no porque les importe la botánica.
Obra Clave en el Thyssen:La Virgen y el Niño en el trono con seis ángeles de Lorenzo Monaco. Fíjate en el refinamiento casi musical de las líneas.
2. El Esplendor Clásico (Siglo XVI)
Renacimiento Italiano: (Fra Angelico, Antonello da Messina). El equilibrio y la perspectiva. Entrar en el Siglo XVI y el Renacimiento Italiano dentro del Thyssen es como pasar del «taller de artesano» al «estudio del intelectual». Aquí la pintura deja de ser solo un oficio para convertirse en una ciencia de la belleza. este capítulo es crucial porque es donde el artista domina dos herramientas que cambian la historia para siempre: la perspectiva matemática y el equilibrio compositivo.
1. Fra Angelico: El puente entre el Cielo y la Tierra
Aunque cronológicamente es un hombre del XV, su obra en el Thyssen (La Virgen con el Niño, ángeles y donante) es la esencia del equilibrio renacentista.
El Equilibrio: Sus composiciones son de una simetría casi divina. No hay nada «movido» al azar. El peso visual está distribuido para generar paz.
La Perspectiva: Fíjate en el trono de la Virgen. Fra Angelico utiliza la perspectiva no para presumir, sino para crear un espacio sagrado donde el espectador siente que puede entrar.
Observa la luz en las túnicas. Ya no son solo líneas; son volúmenes suaves, como si la luz viniera de un solo punto (coherencia lumínica).
2. Antonello da Messina: El hombre que trajo el «aire»
Este es uno de tus autores clave. Antonello fue el puente entre Italia y Flandes. Él aprendió el secreto del óleo de los flamencos y lo aplicó al rigor del dibujo italiano.
La Revolución: Antes de él, el Renacimiento italiano era muy de «dibujo duro». Antonello introduce la atmósfera. Sus retratos parecen tener aire entre la nariz del personaje y el espectador.
La Perspectiva del Rostro: En su Retrato de hombre (posiblemente un autorretrato), la perspectiva no está en el suelo o los edificios, sino en el volumen de la cabeza. Es un giro de tres cuartos que crea una profundidad psicológica nunca antes vista.
Observa sus ojos son tan reales que parecen húmedos. Es la técnica del óleo flamenca al servicio de la anatomía italiana.
Renacimiento Alemán: (Durero, Holbein, Cranach). La precisión centroeuropea que ya tienes dominada.
Manierismo: (El Greco, Tintoretto). La visión disruptiva y las formas alargadas.
3. La Maestría de la Luz (Siglo XVII)
Barroco Italiano y Español: (Caravaggio, Ribera, Murillo). El triunfo del claroscuro y la «coherencia entre luz y sombra».
Siglo de Oro Holandés y Flamenco: (Rembrandt, Rubens, Frans Hals). La pintura de la vida cotidiana y el realismo burgués.
4. La Elegancia y el Cambio (Siglo XVIII)
Rococó y Vedutismo: (Watteau, Canaletto, Tiepolo). La luz veneciana y el detalle arquitectónico.
Neoclasicismo: El retorno al orden (aquí es donde puedes empezar a conectar con la base de los Madrazo).
5. La Revolución de la Mirada (Siglo XIX)
Romanticismo: (Friedrich, Delacroix). La emoción y la duda existencial frente a la naturaleza.
Realismo y Escuela de Barbizon: El retorno a la tierra.
Impresionismo y Postimpresionismo: (Monet, Degas, Van Gogh, Gauguin). Cuando el color empieza a sustituir definitivamente al dibujo.
6. La Ruptura y la Modernidad (Siglo XX)
Expresionismo Alemán: (Kirchner, Nolde). La distorsión para expresar el sentimiento.
Cubismo y Futurismo: (Picasso, Braque). La desarticulación de la realidad.
Abstracción y Surrealismo: (Kandinsky, Dalí, Magritte). El fin de la «prueba fehaciente» visual para buscar verdades psicológicas.
Pop Art y Figuración Europea: (Lichtenstein, Bacon, Freud).
En las primeras salas de la Planta 2, destacan los cuadros datados desde 1290, temple y oro sobre tabla, hasta 1390, de Agnolo Gaddi, Bernardo Daddi, Ugolino Di Nerio, siglo XV, Bartolommeo Bulgarini, Vitale Da Bologna, Duccio di Buoninsegna, Simone Martini, Giovanni di Paolo, Lorenzo Veneziano, Luca di Tommé, Gabriel MälessKircher, Joan Mates, Jaume Huguet, Johann Koerbecke, Gerard David, Juan de Flandes, Jacques Daret, Rogier Van Der Weyden, Petrus Christus, Paolo Ucello, Benozzo Gozzoli, Ercole De Roberti, Cosmé Tura, Benedetto Bonfigli, Rubinetto Di Francia, Bramantino, Bartolomeo Suardi, Robert Campin, Antonello Da Messina, Andrea Solario, Joos Van Cleve, Domenico Ghirlandaio, Rafael, Hans Holbein el Joven, Piero Della Francesca, Domenico Veneziano, Tintoretto Tintoretto uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y representante del estilo manierista. , Tiziano Tiziano Es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. , Gentile Bellini, Fra Bartolommeo, Bernardino Luini, Giovanni Bellini, Palma El Viejo, Sebastiano del Piombo, Bronzino, Bartolomeo Veneto, Hans Suess Kulmbach, Jakob Welsh, Bernhard Strigel, Bartolomäus Bruyn El Viejo, Derick Baegert, Hans Maler, Hans Burgkmair, Jacques Daret, Alberto Durero Alberto Durero, uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y representante del estilo manierista. Lucas Cranach El Viejo, Albrecht Altdorfer, Christoph Amberger, Hans Baldung Grien, Hans Cranach, Barthel Beham, Hans Wertinger, Martin Schaffner, Michael Wolgemut, Hans Holbein El Viejo, Jan Mostaert, Jan Van Scorel, Maerten Van HeemsKerck, Jan Wellens de Cock, Joos Van Cleve, Joachim Patinir, Jan Gossaert, Jan Mostaert, Jan de Beer, Marinus Van Reymerswaele, Jacob Cornelisz, Aertgen Van Leyden, Lucas Hugensz, Corneille de Lyon, Jan Provost, Ferraú Fenzoni, Melchior de Hondecoeter, Zurbarán, Giovanni Franceso Barbieri, Murillo, Tomasso Salini, Mattia Preti, El Greco (Domerikos Theotokopoulos), Wolfgang Beurer, Giovanni Franceso Grimaldi, Paris Bordone, Jacopo Bassano, Pier Francesco Mola, Claudio de Lorena, Luca Giordano, Bernardo Cavallino, Carlo Dolci, Pietro Longhi, Giambattista Tiepolo, Sebastiano Ricci, Giambattista Piazzetta, Pompeo Batoni, Andrea Locatelli, Francesco Foschi, Canaletto, Francesco Guardi,
proxima salida al mercado
Obra:Retrato de Velázquez (Estudio para portada)
Datos Técnicos de la Obra: obra con procedencia documental
Título:Velázquez: La mirada del genio.
Técnica: Óleo sobre tablilla.
Dimensiones: Tamaño Folio (A4 aprox.).
Año de ejecución: 2025.
Estado: Original (Pieza única).
Precio: 1950 €
Factores de Revalorización:
Autoría Literaria: Haber escrito sobre las Meninas te otorga un estatus de «experto». El comprador no solo adquiere una tabla, compra la visión de un estudioso de Velázquez.
Trayectoria (Medio Siglo): 50 años de oficio garantizan una factura técnica impecable. La maestría en el óleo sobre tabla es muy apreciada por el coleccionista que busca durabilidad y calidad «clásica».
Marca Personal: Ser el director de una galería 3D innovadora te posiciona como un artista que une tradición y vanguardia.
La tablilla es, en realidad, el «estudio original» que dio vida a la portada de una obra literaria.
Junto a la tablilla, se envía un ejemplar de la novela, firmada, datada y dedicada.
Óleo sobre tabla, 17,8 x 29,8 cm. Juan José P. Ronquillo
CERTIFICADO DE AUTENTICIDAD
Obra:Retrato de Velázquez (Estudio para portada)
Yo, Juan José P. Ronquillo, en mi calidad de autor y director de artitic.art, certifico mediante el presente documento que la obra descrita a continuación es una pieza única y original, realizada íntegramente de mi mano.
Datos Técnicos de la Obra:
Título:Velázquez: La mirada del genio.
Técnica: Óleo sobre tablilla.
Dimensiones: Tamaño Folio (A4 aprox.).
Año de ejecución: 2025.
Estado: Original (Pieza única).
Relevancia Histórica y Documental:
Esta obra representa un hito fundamental en mi trayectoria de 50 años como pintor. Se trata del estudio original de estudio directo que ha sido seleccionado y utilizado como imagen de cubierta para la novela histórica de mi autoría: “Velázquez, el pincel oculto en las Meninas”.
El presente certificado garantiza la procedencia de la obra y su vinculación directa con el lanzamiento literario y la Galería 3D de artitic.art.
Firma del Autor:
Juan José P. RonquilloArtista Plástico y EscritorMadrid, a 28 de enero de 2026
La Supremacía del Renacimiento Alemán en la Colección Thyssen…
Mientras que otras pinacotecas se rinden ante la exuberancia del sur, el Museo Thyssen-Bornemisza custodia un tesoro de rigor y precisión técnica: su fondo de Renacimiento Alemán. Con más de cuarenta piezas, esta sección supera en densidad y riqueza a las instituciones más insignes, ofreciendo una oportunidad única para estudiar la evolución del trazo centroeuropeo.
En este recorrido destacan hitos de ejecución prodigiosa:
Alberto Durero y la urgencia creativa: Su Jesús entre los doctores (1506) no es solo una obra maestra de composición; es un alarde de virtuosismo técnico. Firmada como una ejecución de apenas cinco días, la pieza nos habla de un dominio absoluto de la forma y el concepto.
La sobriedad de Holbein: El célebre Retrato de Enrique VIII de Hans Holbein el Joven se alza como el único testimonio autógrafo que sobrevive del monarca. Es una lección magistral de cómo el retrato puede capturar la psicología del poder sin necesidad de artificios, un aspecto que despertó el interés de la propia National Gallery de Londres.
La delicadeza de los Cranach: Desde la sensualidad mística de La ninfa de la fuente de Lucas Cranach el Viejo, hasta la rareza absoluta de las únicas dos tablas firmadas que existen de su hijo, Hans Cranach, cuyo prematuro fin nos privó de un talento excepcional dentro de la saga.
Este conjunto se completa con una galería de miradas capturadas por Altdorfer, Amberger o Wolgemut, configurando un muestrario donde el retrato se eleva a la categoría de prueba fehaciente de la existencia humana.
Países Bajos, siglos XV y XVI: Van Eyck, Memling…
La sección de los primitivos flamencos no iguala en riqueza a la del Prado, aunque aquí se custodia el único ejemplo de Jan Van Eyck en España: Díptico de la Anunciación. Destacan también la diminuta Virgen con el Niño entronizados y un Retrato de hombre atribuidos a Rogier van der Weyden, La Virgen del árbol seco de Petrus Christus, una de las escasísimas obras documentadas de Jacques Daret (La Adoración de los Magos), el Retrato de Robert de Masmines que se atribuye a Robert Campin, una Crucifixión juvenil de Gerard David y un soberbio retrato de Hans Memling, cuyo reverso muestra un jarrón de flores con el anagrama de Cristo, lo que constituye un inusual y temprano ejemplo de bodegón. Ya dentro del siglo xvi, se puede citar a Juan de Flandes (Supuesto retrato de Catalina de Aragón), Jan Gossaert (Adán y Eva), Ambrosius Benson, Joachim Patinir, Joos van Cleve (Autorretrato con clavel), Jan van Scorel, Jan Mostaert, Marinus van Reymerswaele (La vocación de san Mateo, h. 1530; el cuadro más temprano conocido de este artista), Martin van Heemskerck (Mujer hilando), Bernard van Orley, Lucas van Leyden (La partida de cartas) y Antonio Moro (Retrato de Giovanni Battista Castaldo).
Una galería con vistas al Paseo del Prado está dedicada a retratos: Giulio Romano, Bronzino, Ridolfo Ghirlandaio, Pier Francesco Foschi, Paris Bordone, Veronés, Correggio, Lorenzo Lotto, François Clouet (La carta)… Se exhibe también El rapto de Europa, gran lienzo de Simon Vouet. Salas próximas albergan obras destacadas como un San Jerónimo de Tiziano, Escena pastoril (La parábola del sembrador) de Jacopo Bassano, cuatro lienzos de El Greco (Cristo con la cruz a cuestas, La Inmaculada Concepción y dos Anunciaciones) y la famosa Santa Catalina de Caravaggio, entre otros. De Tintoretto se exhibe aquí una pareja de lienzos bíblicos, a los que hay que sumar el Paraíso colgado en el atrio, monumental lienzo de casi cinco metros de largo que el barón adquirió en 1980. De los barrocos españoles, destacan dos lienzos de José de Ribera (una Piedad de 1633 y San Jerónimo penitente), otros dos de Zurbarán (un Cristo crucificado y una Santa Casilda), uno muy importante de Murillo (La Virgen y el Niño con santa Rosa de Viterbo) y un bodegón de Juan van der Hamen. Rivalizan con autores extranjeros como Valentin de Boulogne, Tommaso Salini, Guercino, Sebastiano Ricci, Mattia Preti, Carlo Maratta, Giulio Carpioni, Francesco Maffei, Antoine Le Nain, Claudio de Lorena, Sébastien Bourdon, Jacques Linard… También están Lot y sus hijas y Santa Cecilia, catalogadas como obras respectivamente de Orazio Gentileschi y de Bernardo Strozzi cuando la colección llegó a España, pero hoy consideradas réplicas de taller.
Para la colección de pintura barroca italiana puede consultarse también Anexo:Pintura italiana del Barroco en las colecciones públicas madrileñas.
El fondo flamenco del XVII es relativamente reducido, aunque incluye ejemplos de Rubens como un Retrato de joven dama con rosario, el boceto al óleo La ceguera de Sansón y una Venus ante el espejo copiada de Tiziano. Es también relevante el Retrato de Jacques Le Roy de Van Dyck, y además hay obras de Jacob Jordaens (La Sagrada Familia), Cornelis de Vos (Retrato de Antonia Canis), Jan Fyt (Bodegón con manojo de espárragos), Jan Brueghel el Viejo (Tormenta en el mar de Galilea), David Teniers el Joven…
Barroco holandés: Rembrandt, Frans Hals…
Una pequeña Adoración de los pastores de Joachim Wtewael inicia cronológicamente el despliegue de la riquísima colección de pintura neerlandesa, liderada por Frans Hals y Rembrandt. El Autorretrato con gorra y dos cadenas de este último, adquirido en 1976 y que se subestimaba como obra de taller, ha sido autentificado como original suyo. Le rodean autores próximos a su estilo, como Ferdinand Bol y Govert Flinck, así como tres retratos de Gerard Ter Borch. También se hallan representados varios autores tenebristas neerlandeses y flamencos: Mathias Stomer, Hendrick Terbrugghen (Esaú vendiendo su primogenitura), Michael Sweerts…
La sección neerlandesa tiene como uno de sus tesoros el Grupo familiar y criado negro en un paisaje, pintura grande y muy relevante de Frans Hals, único ejemplo suyo en España. Le siguen Gerrit van Honthorst (Violinista con copa) y especialistas en escenas de género como Adriaen van Ostade y Jan Steen (Autorretrato con laúd), tres bodegones de Willem Kalf, varios paisajes de Jacob Ruysdael, y otros nombres como Ambrosius Bosschaert, Pieter de Hooch (La Sala del Concejo del Ayuntamiento de Ámsterdam), Jan Lievens, Meindert Hobbema, Philips Koninck, Albert Cuyp, Pieter Jansz Saenredam (La iglesia de Santa María de Utrecht), Jan Jansz van de Velde, Arent de Gelder, Nicolaes Maes (El tamborilero desobediente)…
Del Rococó al realismo
Retrato del pintor Asensio Juliá, por Goya.
La pintura del siglo xviii europeo se halla presente con Watteau (Pierrot contento y El descanso), Boucher (El tocador), Nicolas Lancret (Alegoría de la Tierra), Fragonard (una versión juvenil de El columpio), Jean-François de Troy, Hubert Robert (El templo de Diana en Nimes), Jean-Marc Nattier, Chardin (Bodegón con gato y raya y dos obras más), Pietro Longhi (Las cosquillas), Piazzetta (Retrato de la pintora Giulia Lama), Pittoni (Descanso en la huida a Egipto, El Sacrificio de Polixena) y los Tiepolo: Giambattista, con la monumental Muerte de Jacinto, y su hijo Domenico.
Los grandes maestros del vedutismo veneciano, carentes de presencia en el Museo del Prado, cuentan aquí con un rico repertorio: tres obras de Canaletto, de las que dos son muy importantes dentro de su mejor etapa; otras dos vistas de Francesco Guardi y ejemplos de Bernardo Bellotto y Michele Marieschi. Hay que citar además la pintura inglesa del mismo siglo xviii, tradicionalmente ignorada en los museos españoles: Gainsborough (Retrato de Sarah Buxton), Thomas Lawrence, Johann Zoffany (La actriz Ann Brown en el papel de Miranda)…
Tres retratos de Goya (El pintor Asensio Juliá, Fernando VII y El tío Paquete) marcan la transición hacia el romanticismo, con pequeños cuadros de Delacroix (El jinete árabe), Géricault y Caspar David Friedrich (Mañana de Pascua), realismo con Corot y Courbet (El arroyo Brème)…
Impresionismo: Manet, Monet, Degas…
El panorama del siglo xix culmina con el impresionismo, del que incluye a casi todos los maestros destacados: Manet (Amazona de frente), Renoir (Mujer con sombrilla en un jardín, 1875), Monet (El deshielo en Vétheuil, 1881), Degas (Damas en la sombrerería, Bailarina de verde), Camille Pissarro (los paisajes El bosque de Marly y La calle Saint-Honoré. Efecto de lluvia), Alfred Sisley (La inundación en Port-Marly, 1876), Pierre Bonnard (Retrato de Misia Godebska), Berthe Morisot (El espejo de vestir)…
Postimpresionismo y final de siglo: Van Gogh, Cézanne, Munch…
Van Gogh cuenta con cuatro obras de distintas etapas, como el óleo La aldea de Les Vessenots en Auvers y la litografía Los comedores de patatas, mientras que Paul Gauguin solo está presente con un paisaje de sus primeros años, si bien el préstamo de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza aporta un conjunto muy relevante de este artista, con ocho pinturas más y una curiosa escultura en gres. Toulouse-Lautrec está presente con dos gouaches y un raro óleo, La pelirroja con blusa blanca; rivaliza con él Paul Cézanne con el importante lienzo precubista Retrato de un campesino (1905-06) y un bodegón en acuarela.
El museo cuenta también con ejemplos de otros artistas del cambio de siglo: Edouard Vuillard, el simbolista Gustave Moreau, Ferdinand Hodler, Lovis Corinth, James Ensor (El teatro de máscaras) y Kees van Dongen. Posiblemente los eclipsa (al menos por actual fama) Edvard Munch con el lienzo Atardecer. Laura, la hermana del artista (1888).
Pintura estadounidense del XVIII y XIX
Es llamativo el conjunto de pintura estadounidense de los siglos xviii y xix, un área de la Historia del Arte poco conocida en Europa. Incluye ejemplos de Gilbert Stuart, John Singleton Copley, Winslow Homer (tres pinturas y dos acuarelas), Maurice Prendergast, y John Singer Sargent (Retrato de la duquesa de Sutherland). El barón Thyssen reunió estas obras en pocos años, antes de que se elevase su valor; se dice que actualmente resulta difícil sumar ejemplos similares.
Fauvismo: Matisse y Derain
La sección del siglo xx tiene un protagonismo notable en el Museo Thyssen; cubre amplias lagunas del panorama artístico de Madrid y hay que reiterar que fue enteramente conformada por el barón Hans Heinrich.
El muestrario del fauvismo es muy reducido; Henri Matisse apenas cuenta con un ejemplo menor (Las flores amarillas), si bien hay que destacar un cotizado paisaje londinense de la mejor etapa de André Derain (El puente de Waterloo, 1906).
Alemania: expresionismo y nueva objetividad
Calle con buscona vestida de rojo, cuadro de Ernst Ludwig Kirchner.
Hay que destacar la abundante muestra de expresionistas alemanes como Ernst Ludwig Kirchner (ocho obras, destacando Calle con buscona vestida de rojo), Emil Nolde, Max Beckmann (Autorretrato con la mano alzada y Quappi vestida de rosa), Franz Marc, Ludwig Meidner, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel, etc.
Mención aparte merecen artistas atípicos como Wassily Kandinsky, Lyonel Feininger y Egon Schiele. Los tres cuentan con un variado repertorio, especialmente Kandinsky con diversas pinturas y acuarelas que abarcan desde su etapa figurativa de principios de siglo hasta la abstracción total de los años 20. También el dadaísta Kurt Schwitters cuenta con un buen repertorio: tres ensamblajes, un collage y una pintura.
La nueva objetividad está presente con un importante retrato de Otto Dix (Hugo Erfurth con un perro), dos de Christian Schad y un rico repertorio de George Grosz, con diversas acuarelas y dibujos junto a dos pinturas. Su joya es Metrópolis, obra maestra que fue defenestrada por el régimen nazi como arte degenerado. Por suerte no fue destruida y Grosz la recuperó. También se puede englobar en esta corriente a Oskar Kokoschka, presente con un retrato.
Según la página oficial del museo, «en 1993, el Estado español adquirió la mayor parte de la colección Thyssen y una significativa selección de obras del expresionismo alemán pasó a pertenecer al Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, un arte hasta entonces inexistente en las colecciones españolas».13
Cubismo y futurismo
El fumador, óleo de Juan Gris.
El color salmón de las paredes deja paso al blanco en las salas dedicadas al siglo xx, desde el Cubismo hasta el arte pop y el Hiperrealismo.
Los ejemplos del cubismo analítico de Picasso (Hombre con clarinete, 1911-12) y Georges Braque (Mujer con mandolina, 1910) son muy cotizados, al igual que El fumador de Juan Gris. El repertorio de Picasso no se limita al Cubismo ya que abarca diversas fases del artista, desde su etapa azul a los años 30; baste citar el magistral Arlequín con espejo, el famoso grabado juvenil La comida frugal y un boceto precubista próximo a Las señoritas de Aviñón. El ejemplo picassiano más tardío es una Corrida de toros de 1934. También Juan Gris y Braque cuentan con otras piezas: de Gris se exhibe Botella y frutero (1919) y de Braque un paisaje de 1908-09 y el gran bodegón El mantel rosa de 1938.
Otros artistas más o menos fieles al Cubismo son Robert Delaunay, Sonia Delaunay-Terk, Albert Gleizes, František Kupka, Auguste Herbin, Francis Picabia y Léger, de quien se exhibe la obra La escalera (segundo estado). De las tentativas cubistas de Dalí, se exhibe Pierrot y guitarra (1924); este autor cuenta además con dos importantes óleos surrealistas.
El Futurismo italiano se halla representado por obras de Gino Severini, Giacomo Balla, Fortunato Depero, Umberto Boccioni… El Vorticismo inglés, movimiento del que no subsisten muchas obras, se ilustra con Percy Wyndham Lewis, David Bomberg y Edward Wadsworth.
La vanguardia rusa
El Museo Thyssen-Bornemisza posee más de veinte obras representativas de varias fases de la vanguardia rusa: neoprimitivismo, rayonismo, constructivismo… Se puede citar (alfabéticamente) a: Yuri Annekov, Ylia Chashnik, Alexandra Exter, Natalia Goncharova, Mijail Larionov (cuatro obras), El Lissitzky, Malevich, Liubov Popova (tres óleos), Olga Rozanova…
Del grupo De Stijl, tanto Mondrian como Theo van Doesburg se hallan representados en este museo. De Mondrian se exhiben tres pinturas (a destacar New York City, New York) y del segundo otros dos óleos y un gouache. También Vilmos Huszár y Bart van der Leck cuentan con dos obras cada uno.
De la Bauhaus alemana, tanto Oskar Schlemmer como Moholy-Nagy están presentes; del segundo, la Gran pintura del ferrocarril se considera como pieza clave de su aproximación al constructivismo ruso.
Chagall, Paul Klee
Junto a obras tardías de maestros ya citados, como Kandinsky, Léger y Braque, el Museo Thyssen-Bornemisza exhibe una generosa representación de dos artistas inclasificables, o que al menos no se ajustan a ninguna de las corrientes dominantes en su época: Marc Chagall y Paul Klee. De Chagall hay cuatro obras: un gouache, Desnudo masculino, bastante raro por su tema y por su estilo a caballo entre fauvismo y cubismo; el óleo El gallo (1929) y dos obras importantes de su producción, los óleos La casa gris (1917) y La Virgen de la aldea (1938-42). También Klee cuenta con cuatro ejemplos: Vista de una plaza (1912), Casa giratoria (1921), Bodegón con dado (1923) y Omega 5 (1927). El museo posee así mismo un retrato apenas esbozado de Kiki de Montparnasse realizado por Modigliani.
Surrealismo
El Surrealismo cuenta con una poderosa presencia en este museo; son apenas unas quince obras, pero por su importancia y variedad constituyen uno de los puntales del fondo moderno. Salvador Dalí es posiblemente el protagonista de este conjunto gracias al icónico óleo sobre tabla Sueño causado por el vuelo de un abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar (1944). Lo acompaña otra pintura del artista diametralmente opuesta por su colorido oscuro: Gradiva encuentra las ruinas de Antropomorfos (1931).
Otros autores surrealistas con obras importantes son: Paul Delvaux (Mujer ante el espejo, 1936), René Magritte (La llave de los campos, 1936) y Joan Miró (El campesino catalán de la guitarra, 1924). Miró cuenta con otros dos ejemplos: Pintura sobre fondo blanco (1927) y El pájaro relámpago cegado por el fuego de la Luna (1955).
Max Ernst destaca con cuatro obras: Sin título. Dadá (h. 1922), Flor-Concha (1927), la decalcomanía Árbol solitario y árboles conyugales (1940) y el lienzo 33 muchachas buscando una mariposa blanca (1958). Yves Tanguy se halla presente con tres: Muerto acechando a su familia (1927), Todavía y siempre (1942) y Números imaginarios (1954).
EE. UU.: del cubismo al hiperrealismo
El atrio del museo, en una fotografía de 2010; al fondo, el cuadro El Paraíso de Tintoretto y las cuatro esculturas de Rodin prestadas por Carmen Cervera, que en 2022 se han reubicado en otras salas.
Para la pintura estadounidense el Museo Thyssen constituye una especie de embajada en Europa, ya que esta pinacoteca es posiblemente la única del continente que dispone de un repertorio medianamente completo de la evolución artística de los Estados Unidos, desde los tiempos de la independencia en el siglo xviii hasta el Expresionismo abstracto, el Pop art y el primer Hiperrealismo de la década de 1960.
En lo tocante al siglo xx, el repertorio americano arranca en las décadas de 1910-20 con Stuart Davis, Charles Demuth, Arthur Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Sheeler, Max Weber y una de las mayores pintoras del país, Georgia O’Keeffe; el museo posee cuatro obras de ella, tan dispares como la oscura Abstracción (1920) y el luminoso Lirio blanco nº 7 (1957). La vertiente figurativa de mediados de siglo es acaso más popular, gracias a autores como Milton Avery, Ben Shahn, Andrew Wyeth y sobre todo Edward Hopper. El museo cuenta con ejemplos de todos ellos, y de Hopper posee el famoso lienzo Habitación de hotel (1931). Junto con otro pequeño lienzo y una acuarela, conforma un muestrario de este artista posiblemente único en Europa.
El panorama de las últimas décadas va desde la pintura abstracta, tanto de tipo geométrico como de action painting (Jackson Pollock), hasta el pop y el primer hiperrealismo de Richard Estes. Entre los autores pop destacan Richard Lindner (Luna sobre Alabama), Tom Wesselmann (Gran desnudo nº 1), Roy Lichtenstein (Mujer bañándose), Robert Rauschenberg (Express) y James Rosenquist (Vidrio ahumado, 1962). Otros artistas son (en orden alfabético): Josef Albers, Romare Bearden, Joseph Cornell, Arshile Gorky, Hans Hofmann, Willem de Kooning, Morris Louis, Mark Rothko, Frank Stella, Clyfford Still, Mark Tobey…
Europa desde la Segunda Guerra Mundial
Dos retratos del barón Thyssen pintados por Lucian Freud en 1981-82 y en 1985 son las obras más recientes que cuelgan en el museo; la segunda (un impactante retrato de cuerpo entero) se sumó a la colección permanente en 2023 gracias a una excepcional donación de Francesca Thyssen-Bornemisza [12]. Son dos de las cinco pinturas que se exhiben de este cotizadísimo autor, uno de los principales atractivos de un repertorio europeo de posguerra mayormente figurativo.
Entre los autores reunidos, se puede citar a: Michael Andrews, Karel Appel (Caballos salvajes, 1954), Frank Auerbach, Francis Bacon (Retrato de George Dyer en un espejo, 1968), Balthus (La partida de naipes, 1948-50), Willi Baumeister, Lucio Fontana, Alberto Giacometti, Domenico Gnoli, Renato Guttuso, David Hockney (En memoria de Cecchino Bracci, 1962), Ronald Kitaj (El griego de Esmirna (Nicos), 1976-77), Roberto Matta (seis obras), Henry Moore y Nicolas de Staël.
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Revista de Arte, artistas, dibujo, pintura y escultura 